Expositions en cours

Sam Falls

Galerie Eva Presenhuber, Zürich (Suisse)

20.09 - 01.11.2025

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Communiqué de presse

La Galerie Eva Presenhuber est heureuse de présenter la dixième exposition personnelle de l'artiste américain Sam Falls en ses murs.

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Jeune homme, Sam Falls aspirait à quitter la ferme d'une petite ville du Vermont où il avait grandi avec sa mère. Avec une population de 3 000 habitants, le milieu rural pré-Internet lui semblait contraignant, et il aspirait à l'effervescence intellectuelle d'une grande ville. Finalement, il s'installe à New York pour poursuivre ses ambitions artistiques. Dans ce désir d'échapper à cette vie pastorale, il est d'autant plus frappant que la nature devienne plus tard centrale dans son œuvre. Après des années passées à s'immerger dans les universités, les bibliothèques et le paysage urbain, Falls a commencé à renouer avec la nature. Dormant sous une tente, il passait de longs moments en extérieur et découvrit qu'il se sentait plus à l'aise sous un ciel étoilé que dans un atelier en ville. Ce qui semblait initialement un éloignement de ses racines s'est avéré être un retour : les forêts et les déserts de son enfance, vécus comme enfant unique, sont réapparus comme une source d'inspiration créative. Aujourd'hui, Falls ne pratique plus l'atelier traditionnel. Il privilégie les parcs nationaux et les paysages ruraux comme des espaces de travail en constante évolution, où sa créativité peut s'épanouir au contact étroit des éléments naturels qui continuent de façonner son art.

Cela contraste avec la situation de ses pairs artistes, qui, dès 2010, manquaient de moyens pour s'offrir autre chose que de petits ateliers dans les quartiers périphériques de Manhattan. Il estime qu'ils créaient tous de l'art pour survivre plutôt que survivre pour faire matière artistique, et ce sacrifice les a conduits à créer le même type d'œuvres : ce qu'on appelait alors la « petite abstraction ». Pour Falls, cette approche semblait « élitiste, aliénante et isolée » et, au mieux, aurait correspondu « à des questions de test plutôt qu'à une quête de beauté » ou à des tentatives inutiles de traduire les écrits d'Adorno et de Derrida dans l’art visuel.

Le problème était qu'il lui était difficile de trouver inspiration et originalité dans les limites de son atelier, car il n'y ressentait aucune connexion émotionnelle. Toujours convaincu d'une avant-garde et d'un art progressiste, il décide de quitter l'atelier pour finalement travailler dans la nature. Cette démarche s'inscrit dans sa défense d'une art décentralisé et d'une production artistique au-delà de la densité gentrifiée des métropoles. Compte tenu de ses origines rurales, on pourrait être tenté d'attribuer l'impulsion initiale de son travail à des facteurs biographiques et de considérer ses déplacements incessants comme une quête du temps perdu. Cependant, il ne se contente pas de retourner au Vermont. Tel un nomade mélancolique, il étend son champ d'action géographique au-delà des terres familières de son enfance pour inclure des espaces s'étendant sur tout le vaste continent américain.

Falls a toujours nourri une passion profonde pour les espaces naturels. Dès le lycée, il rêvait de devenir photographe de paysage et admirait le travail d'Ansel Adams, Eliot Porter et Edward Weston. Cependant, il ne souhaitait pas se contenter de les imiter. Il cherchait plutôt d'autres manières d'aborder les espaces sans appareil intermédiaire, cherchant à capturer leur essence d'une manière qui rende justice aux espaces et à la diversité des écosystèmes. Il prévoyait d'utiliser la flore typique d'une région comme support et motif pour caractériser l'espace dans ses œuvres. Contrairement à Cézanne, Falls ne travaille pas parallèlement à la nature, mais avec et en elle. Oscillant entre photographie et peinture, il aspire à une « représentation indicielle, une à une, sans reproduction », où les modifications de l'organique causées par le temps, la chaleur, le froid, l'humidité et la sécheresse laissent leur empreinte. Son travail vise à briser la distance créée par le regard au déclencheur, à s'intéresser à des réalités telles que la flore et à capturer l'atmosphère.

C'est pourquoi Falls a délaissé l'appareil photo et tous les supports associés, dont le cyanotype, pour adopter les pratiques de la photographie ancienne en créant des collages et en les exposant à la lumière. En substance, il a déclaré que la nature était un partenaire égal avec lequel il dialoguait. Travaillant initialement à Los Angeles, il utilisait des matériaux non biodégradables représentatifs de la région, tels que des pneus ou des planches de 2x4. Ce n'est qu'alors qu'il a commencé à collectionner les plantes, symboles de la nature, matière mortelle symbolisant la peur de la mort. Interrogé sur la différence entre la photographie et son approche de la nature, Falls souligne qu'en tant que photographe, il traitait les objets comme des cadavres transférés sur du papier. Depuis qu'il a abandonné l'appareil photo, il travaille avec la matière morte pour créer un objet commémoratif, un témoignage du temps.

Comment procède-t-il ? Il dispose de grandes toiles en extérieur et y dépose des matières organiques. La flore varie selon le lieu et la saison. Pour cette exposition, réalisée en partie dans le nord de l'État de New York, il a utilisé des fleurs sauvages indigènes, des plantes invasives et des graminées agricoles endémiques. À Los Angeles, il utilise des herbiers marins et des algues de l'océan Pacifique. « Les plantes ne sont pas nécessairement d’origine locale. Elles peuvent avoir été importées de Chine il y a 100 ans ou d'Europe il y a 200 ans et se sont répandues de telle manière qu'elles incarnent l'essence de la région et en sont devenues représentatives », explique Falls. Après avoir étendu les plantes sur la toile, il projette des pigments dans l'air au-dessus d'elles. Plus le vent souffle fort, plus les pigments se dispersent. Plus le vent est faible, plus les pigments se déposent à plat, créant des zones de couleur plus petites et plus denses. Sachant que les conditions météorologiques peuvent déformer l'apparence d'un paysage, et que ces conditions y sont généralement atypiques, Falls prend soin de ne pas exposer ses œuvres naissantes à de telles conditions le mauvais jour. Comme c'est souvent le cas dans le nord de l'État de New York en été, il n'y a pas beaucoup plu ; Falls a donc exploité l'humidité nocturne régulière et excessive pour représenter cette période chaude. Contrairement aux pigments, qui se dilatent et se mélangent sous la pluie, s'éclaircissant et se diluant, donnant aux images un aspect aquarelle, ces images gagnent en définition lorsque l'absence de perception empêche les pigments de se dissoudre et de fusionner complètement. De plus, elles laissent des ombres ou des silhouettes d'objets dispersées sur la toile, témoins de leur présence passée. En représentant Los Angeles et le nord de l'État de New York à travers des écosystèmes, Falls crée un pont entre les deux extrémités des États-Unis – distantes de 4 000 kilomètres – et documente leur diversité dynamique.

Essentiellement, l'œuvre de Falls est un monument dédié à l'évolution de la nature au fil du temps et à une nouvelle compréhension de l'humanité. Plutôt que de s'isoler de la nature, l'homme aspire à l'harmonie avec elle. Cela suppose qu'il ait étudié et compris le territoire, ses liens et les processus qui se déroulent dans la nature.

(d’après le texte de Heinz-Norbert Jocks)

Sam Falls est né en 1984 à San Diego, en Californie ; il vit et travaille à Los Angeles, en Californie, et dans le nord de l'État de New York. Il a créé son propre langage formel en entrelaçant les paramètres fondamentaux de la photographie, à savoir le temps et l'exposition, avec la nature et ses éléments. Travaillant principalement en extérieur avec des matériaux vernaculaires et la nature comme sujet in situ, Falls abandonne la reproduction mécanique au profit d'une relation plus symbiotique entre sujet et objet. Ce faisant, il comble le fossé entre photographie, sculpture et peinture, ainsi que la séparation entre l'artiste, l'objet et le spectateur.

En octobre 2025, une exposition personnelle de Sam Falls aura lieu au Simose Museum, Hiroshima, Japon. Des expositions personnelles récentes de Sam Falls ont eu lieu à Cookie Factory, Denver, Colorado, États-Unis (2025) ; au MOCA de Cleveland, Ohio, États-Unis (2023) ; au Mori Museum de Tokyo, Japon (2022) ; Hammer Museum, Los Angeles, CA, États-Unis (2018) ; Museum of Modern and Contemporary Art Trento and Rovereto, IT (2018) ; The Kitchen, New York, NY, États-Unis (2015) ; Ballroom Marfa, Texas, TX, États-Unis (2015) ; Pomona College Museum of Art, CA, États-Unis (2014) ; Public Art Fund, New York, NY, États-Unis (2014) et LAXART, Los Angeles, CA, États-Unis (2013), entre autres. Son travail a été présenté dans des expositions collectives au Musée Yves Saint Laurent, Paris, FR (2024) ; Maison Européenne de la Photographie, Paris, FR (2024) ; Museum Frieder Burda, Baden-Baden, DE (2024) ; Art Basel Unlimited, Bâle, CH (2024 ; 2019) ; Biennale Weiertal, Winterthur, CH (2023) ; Fondation Opale, Lens, CH (2020) ; Aspen Art Museum, Colorado, CO, États-Unis (2018) ; Le Consortium, Dijon, FR (2017) ; Columbus Museum of Art, Ohio, OH, États-Unis (2017) ; Mead Gallery, Université de Warwick, Royaume-Uni (2016) ; Fruitmarket Gallery, Édimbourg, SC (2015) ; Hammer Museum, Los Angeles, CA, États-Unis (2015) ; Menil Collection, Houston, TX, États-Unis (2015) ; Museo MADRE, Naples, IT (2014) ; et l'International Center of Photography, New York, NY, États-Unis (2013), entre autres.

Exposition du 20 septembre au 1er novembre 2025. Galerie Eva Presenhuber, Waldmannstrasse 6 - CH-8001 Zürich (Suisse). T +41 (0) 43 444 70 50. Ouverture du mardi au vendredi de 11h à 18h, le samedi sur rdv.