Archives 1er semestre 2014

Marine Hugonnier, L’Abeille, le Perroquet et le Jaguar

Galeria Fortes Vilaça, São Paulo (Brésil)

22.03 - 03.05.2014

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Traduction du texte de Filipa Ramos sur l'exposition de Marine Hugonnier

18 ans ont passé depuis les observations critiques de Hal Foster sur la position de l'artiste comme ethnographe. Ce texte, avec la Documenta X de Catherine David en 1997 et sa remise en cause des fondements anthropologiques de la culture occidentale, sont devenus deux événements révolutionnaires, qui annonçaient un resserrement des enquêtes artistiques et anthropologiques qui ont émergé à ce jour.

Si les années 2000 ont connu une période de ralentissement relatif de l'intérêt pour les méthodes, les thèmes et les scénarios d'observations ethnographiques et d'analyses comparatives anthropologiques, nous vivons actuellement une autre renaissance ethnographique des pratiques artistiques, qui - tout comme du milieu à la fin des années 1990 - a été simultanément mise en évidence et stimulée dans des expositions par des essais théoriques comme Anismisme d'Anselm Franke (2010-12) et les principales plates-formes pérennes comme la Documenta 13 de Carolyn Christov - Bakargiev en 2012.















 











Marine Hugonnier, L’Abeille, le Perroquet et le Jaguar, Galeria Fortes Vilaça, São Paulo

© ArtCatalyse International / Marika Prévosto 2014.Tous droits réservés

Exhibition March 22 - May 3, 2014. Galeria Fortes Vilaça, Rua Fradique Coutinho 1500 Piheiros, 5416-001 São Paulo (Brésil).Tél.: +55 11 3032 7066.











Marine Hugonnier est une artiste installée à Londres qui a entrepris de longue date une exploration à la croisée des chemins entre l'anthropologie et la philosophie. Son exposition personnelle L'Abeille, le Perroquet, le Jaguar à la galerie Fortes Vilaça présente un moment important de son étude, qui s'inspire des écrits de l'anthropologue brésilien Eduardo Viveiros de Castro, un personnage clé pour les voies actuelles du réalisme philosophique et de l'évaluation critique des dualismes culture / nature de la modernité.

Toutes sortes de formes de vie potentielles créées par Marine Hugonnier habitent l'exposition: des objets, des images et des situations pour lesquels les lignes entre symbolisme, représentation et réalisation ont été volontairement brouillées par l'artiste. Occupant la grande salle souterraine de la galerie, l'espace devient une sorte d'écrin pour la mise en scène de ces êtres multiples. La première rencontre a lieu à l'entrée, où une figure rouge solitaire, Anima(L) (2014), qui ressemble vaguement à une pyramide creuse ou une crête de montagne stylisée, fait face au visiteur. C'est la plus grande d'une série de quatre groupes de relativement petites sculptures en acier à revêtement d'aluminium toutes intitulées Anima (2014), qui sont disposées en fonction de leur couleur (rouge, vert jaune et bleu) et de leurs propriétés formelles. Certaines sont présentées aux côtés d'autres éléments, comme c'est le cas de l’Anima rouge, qui est accompagnée d'une grande photographie de panthère noire.

Chaque ensemble Anima est installé sur un support de taille différente, dont la surface supérieure est un miroir qui absorbe et projette l'environnement, en intégrant le visiteur dans son image inversée. Outre l'appel émis par ces surfaces réfléchissantes, il y a quelque chose de profondément attractif dans ​​ces ensembles de figures géométriques abstraites, qui sont en quelque sorte des adaptations décoratives de formes constructivistes russes tropicales et ludiques. Leur taille et leur facilité d'accès invitent le visiteur à les manipuler et les déplacer dans un jeu hypnotique entre tenir, jouer, voir et être vu.

Vers la gauche, l'Anima vert - sur le socle le plus bas, à hauteur d'une table de café - apparaît comme un groupe amusant de sphères vert clair parfaitement rondes, assemblées autour d'un groupe de fruits ovales tropicaux (avocats, citrons, kumquats, goyaves et papayes). L'ensemble devient une pièce unifiée où existent très peu de différences entre les fruits et les orbes de métal. Il est associé à une sculpture trouvée de Were Jaguar (2014), une figure de transformation olmèque réalisée pour représenter la métamorphose d'un chaman en un animal, que l'artiste a renforcée à la feuille d'or. A proximité, l'Anima jaune se compose de quatre formes irrégulières qui rappellent les blocs de jouets à assembler et perché dans le coin supérieur le plus à gauche de la pièce, sur le plus grand des quatre socles, l'Anima bleu, un ensemble de surfaces laquées en Bleu international-Klein - surtout des losanges et des triangles - est flanqué d'une publicité de magazine des années 1970 pour une Jaguar E-Type, associant le nom de marque de la voiture à la bête sauvage, et entraînant une relation entre la chasse, la consommation et le colonialisme par son slogan, qui invite le spectateur à "capturer une Jaguar".

Sur le cinquième socle est déposé un livre intitulé Forest (2014). Il se compose d'un assemblage multiple de coupures de magazines avec des scènes de jungle qui sont coupés sur la longueur en trois sections permettant aux différentes images de se mélanger avec les précédentes et suivantes pour former de multiples combinaisons d'images: les animaux évoluent dans des plantes, le ciel cède la place à des feuilles, et la cime des arbres devient une fourrure de léopard dans un belle échange de manières d'être.

Diverses formes de contact et d'interactions possibles entre les choses sont aussi au cœur de l'œuvre phare de l'exposition, le film en 16mm de 26 minutes Apicula Enigma [L'énigme de l'abeille] (2013). Tourné dans les Alpes françaises, il introduit une dérivation spatiale des références géographiques prépondérantes latino-américaines de
l'exposition, tout en offrant en même temps un cadre bucolique, un documentaire filmé au ralenti par une équipe de tournage dans une tentative d'établir un contact avec une ruche installé par l'homme. Ce que le film montre, plus que les animaux, l'équipe de tournage, le paysage ou la ruche est la séparation infranchissable entre les humains et les animaux, la distance concrète qui est mesurée à travers ses variantes sans aucune tentative d'anthropomorphiser les insectes, dont le bourdonnement étrange, assourdissant, se propage en écho tout au long de la galerie.

Il semble curieux que la distance – autant que la résistance (au temps, à la traduction et à l'interprétation) reste une question fondamentale dans le débat autour de la critique de la naturalisation de l'abîme entre la nature et la culture. La distance était le thème central du texte de Foster en 1996, qui mettait en doute la capacité réelle de l'artiste à atteindre l'Autre recherché, dont la présence était située bien au-delà de tout contact possible. La distance est également au cœur des études de Viveiros de Castro sur les « ontologies amérindiennes de la perspective animiste », dans lesquelles il fait valoir que la principale différence entre les animaux non-humains et les autres réside dans leur point de vue distancié : ce que l'humanité perçoit en tant que nature est perçu par d'autres espèces en tant que culture (la célèbre phrase : ce que l'homme voit comme du sang est vu par le jaguar comme de la bière de manioc). La distance insurmontable entre les objets, les individus, les animaux et les lieux est également au cœur de cette ambitieuse exposition qui offre un équilibre très étudié entre des préoccupations théoriques, des réifications abstraites, et des recherches sur les sources populaires de l'imaginaire.